Von Belle-Époque-Plakaten bis hin zu radikaler Performancekunst lieferte das Jahr 2025 Ausstellungen, die Grenzen sprengten und Dialoge eröffneten.
Wenn das Jahr 2025 etwas bewiesen hat, dann ist es, dass sich der Schwerpunkt der Kunstwelt verschiebt. Ja, Paris lieferte Blockbuster ab – David Hockney rührte einige Kritiker in der Fondation Louis Vuitton beinahe zu Tränen, während das Musée d’Orsay uns daran erinnerte, warum Plakate der Belle Époque immer noch wichtig sind.
Aber einige der aufregendsten Momente des Jahres ereigneten sich abseits der traditionellen Kunsthauptstädte: Zentralasien entwickelte sich zu bahnbrechenden Institutionen und Veranstaltungen, und Zypern startete seine erste internationale Kunstmesse. Von Leigh Bowerys furchtloser Theatralik in der Tate Modern bis hin zu Tracey Emins rohen Geständnissen in Florenz waren dies Ausstellungen, die Aufmerksamkeit forderten – nicht nur wegen dem, was sie zeigten, sondern auch wegen der Art und Weise, wie sie Gespräche über den Platz der Kunst in der Welt neu gestalteten.
Kunst ist auf der Straße im Musée d’Orsay
Der tiefe Einblick des Musée d’Orsay in die Plakatkultur der Belle Époque schien für eine Ausstellung über die Werbung des 19. Jahrhunderts überraschend dringend. Die Ausstellung vereinte fast 230 Werke – Toulouse-Lautrec, Mucha, Chéret und die Nabis – und zeigte, wie illustrierte Plakate Paris in einen visuellen Spielplatz verwandelten. Was für Resonanz sorgte, war die Aufmerksamkeit für die Straße als Galerie und Schlachtfeld: Diese Morris-Säulen und Sandwich-Männer waren nicht nur charmante historische Fußnoten, sie waren die sozialen Medien ihrer Zeit. Die Ausstellung positionierte Plakatkunst geschickt als radikale Demokratisierung – „Kunst für alle“, bevor irgendjemand Barrierefreiheit mit einem Hashtag versehen hatte. Sie wurde gemeinsam mit der Bibliothèque nationale de France organisiert und war die erste Ausstellung dieser Größenordnung, die den „Meistern des Plakats“ gewidmet war, und lieferte ein überzeugendes Argument dafür, kommerzielle Kunst ernst zu nehmen.
Buchara-Biennale
Die zeitgenössische Kunstszene Zentralasiens kündigte ihre ernsthafte Absicht an, als die erste Buchara-Biennale die Madrasas und Karawansereien der usbekischen Stadt in Ausstellungsräume verwandelte. Die von Diana Campbell kuratierte und mit dem Titel „Rezepte für gebrochene Herzen“ betitelte zehnwöchige Veranstaltung brachte über 70 internationale Künstler mit lokalen usbekischen Kunsthandwerkern zusammen und bestand darauf, dass beide gleichberechtigt behandelt werden. Das Konzept – das auf dem Mythos basiert, dass Ibn Sina Plov erfand, um einen liebeskranken Prinzen zu heilen – hinterfragte geschickt, wer Anerkennung für kollaborative Praktiken erhält. Anstatt die von der UNESCO anerkannte Architektur Bucharas als bloße Kulisse zu betrachten, verwickelte die Biennale Einwohner und Besucher in Gespräche über Erbe und zeitgenössische Identität. Mit Antony Gormley und Slavs and Tatars an der Seite lokaler Künstler und einem echten Dialog, der den Scheinismus ersetzte, bot es ein neues Modell für internationale Biennalen in einer Zeit der Veranstaltungsmüdigkeit.
Leigh Bowery! in der Tate Modern
Die Würdigung von Leigh Bowery durch die Tate Modern war eine überfällige Anerkennung für einen Künstler, der sich einer Kategorisierung verweigerte. Die Ausstellung erstreckte sich über Performance, Clubkultur, Mode und Körperkunst – weil Bowery nie Grenzen zwischen ihnen sah. Diese ikonischen „Looks“ (Kostüme fühlen sich zu einschränkend an) wurden zusammen mit Kooperationen mit allen von Lucian Freud bis Michael Clark präsentiert und zeigten, wie Bowery Kleidung als Skulptur und seinen Körper als formveränderndes Werkzeug neu interpretierte. Entstanden ist sowohl ein Porträt des Londoner Nachtlebens der 1980er- und 90er-Jahre als auch eine ernsthafte Überlegung darüber, wie Bowerys furchtloser Umgang mit Geschlecht, Sexualität und Ästhetik bis heute nachwirkt. Die Ausstellung hat weder seine Provokationen noch seine Exzesse bereinigt; Stattdessen wurde gefeiert, wie er Anstandsnormen in Frage stellte und gleichzeitig eine wirklich bahnbrechende visuelle Kultur schuf.
VIMA Kunstmesse
Mit der VIMA, der ersten internationalen Messe für zeitgenössische Kunst der Insel, erlangte Zypern seinen ersten Platz in der globalen Kunstszene. Es fand in einem umgebauten Weingut in Limassol mit Blick auf das Meer statt und fühlte sich im Vergleich zur anstrengenden Strecke Basel-Miami-Paris erfrischend intim an. 27 Galerien aus ganz Zypern, Griechenland, dem Libanon, den Vereinigten Arabischen Emiraten, Nigeria, dem Vereinigten Königreich und darüber hinaus plädierten für Zypern als wichtigen Knotenpunkt zwischen Europa, dem Nahen Osten und Afrika. Die Besetzung beeindruckte – The Breeder aus Athen, Tiwani Contemporary, The Third Line aus Dubai – aber was zählte, war der echte Dialog, den VIMA zwischen regionalen Ökosystemen förderte. Das Großprojekt „The Posterity of the Sun“ des Kurators Ludovic Delalande verankerte die Dinge konzeptionell, während Vorträge und Performances für hohe Energie sorgten. Für ein Debüt übertraf es sein Gewicht deutlich.
David Hockney, 25, bei der Fondation Louis Vuitton
Diese große Ausstellung, die sich auf die letzten 25 Jahre konzentrieren soll, reichte frech bis ins Jahr 1955 zurück und begann mit dem Porträt seines Vaters, eines Buchhalters, durch den 18-jährigen Hockney. Über 400 Werke füllten das Gebäude der Fondation Louis Vuitton von Frank Gehry (der Architekt bekam in der Ausstellung sein eigenes Porträt), darunter Gemälde, digitale Arbeiten auf iPhone und iPad sowie immersive Videoinstallationen. Was sich stattdessen nachsichtig hätte anfühlen können, zeigte einen Künstler, der immer noch experimentiert und immer noch neugierig ist. Die internationalen Kredite waren umwerfend – Institutionen von Oslo bis Melbourne leisteten Beiträge – und Hockneys persönliches Engagement in jedem Detail zeigte sich. Es war die größte Ausstellung des Künstlers überhaupt und mehr als etwas Besonderes – ein Kritiker berichtete sogar, er sei zu Tränen gerührt.
Eröffnung des Kunstmuseums Almaty
Neben der Buchara-Biennale brachte der September einen weiteren bedeutenden Moment für die zeitgenössische Kunst Zentralasiens, als das Kunstmuseum Almaty seine Pforten öffnete. ALMA wurde vom Unternehmer Nurlan Smagulov finanziert und von Chapman Taylor mit architektonischen Merkmalen entworfen, die an das Tian-Shan-Gebirge erinnern. Es wurde zum ersten privaten Museum für moderne und zeitgenössische Kunst in der Region. Die Eröffnungsschau kombinierte eine 700-köpfige Sammlung kasachischer und zentralasiatischer Werke mit einer Solo-Retrospektive von Almagul Menlibayeva, deren Auseinandersetzung mit Mythos, Erinnerung und Geographie den Ton angab. Outdoor-Aufträge von Yinka Shonibare und Jaume Plensa sowie Künstlerräume mit Richard Serra und Yayoi Kusama zeigten Ambitionen, die über den regionalen Fokus hinausgingen. Der künstlerische Leiter Meruyert Kaliyeva positionierte es als Zusammenführung von Generationen von Künstlern, von denen, die unter der Sowjetherrschaft Verfolgung riskierten, bis zu den heutigen Künstlern.
Begegnungen: Giacometti, Barbican
Die einjährige Serie des Barbican, in der Alberto Giacometti mit zeitgenössischen Bildhauern zusammengebracht wurde, wirkte eher generativ als aufgesetzt. Organisiert mit der Fondation Giacometti, startete es mit Huma Bhabha, gefolgt von Mona Hatoum (mit Lynda Benglis noch im Jahr 2026) und schuf generationsübergreifende Dialoge über Tod, Fragmentierung, Erinnerung und Trauma. Giacomettis langgestreckte Nachkriegsfiguren – seine Reaktion auf die Verwüstungen des Zweiten Weltkriegs und seine Meditation über die menschliche Form – fanden echte Resonanz bei zeitgenössischen Künstlern, die ihre eigenen Krisenmomente durchlebten. Der intime neue Raum ermöglichte eher genaues Hinsehen als Blockbuster-Überwältigung.
Tracey Emin: Sex und Einsamkeit im Palazzo Strozzi
Tracey Emins erste große institutionelle Ausstellung in Italien brachte ihre konfessionelle Intensität in den Palazzo Strozzi in Florenz. „Sex and Solitude“ wurde von Arturo Galansino kuratiert und präsentierte über 60 Werke in den Bereichen Gemälde, Zeichnungen, Stickereien, Neon und Skulpturen. Der Schauplatz war wichtig: Emins rohe Erkundungen des Körpers und des Verlangens erzeugten provokante Spannungen mit dem Renaissance-Erbe von Florenz und positionierten sie gleichzeitig in der reichen Kunstgeschichte der Stadt. Werke, die Liebe, Verlust, Krankheit und Genesung thematisieren, fühlten sich dringend und zugleich explizit und außerordentlich verletzlich an. Obwohl der zeitliche Umfang der Arbeiten weit gefächert sei, betonte Emin in einem Interview vor der Eröffnung der Ausstellung, dass es sich um „keine Umfrage“ handele. „Ich mache keine Umfrageshows oder Retrospektiven. Ich lebe gern.“ Jetzt“, sagte sie.
Kiefer / Van Gogh an der Royal Academy
Die intime Ausstellung in drei Räumen der Royal Academy zeichnete nach, wie Vincent van Gogh Anselm Kiefer seit fast 60 Jahren verfolgt. Es begann damit, dass der 18-jährige Kiefer ein Reisestipendium erhielt, um Van Goghs Weg von den Niederlanden über Belgien nach Arles zu verfolgen. Die gemeinsam mit dem Amsterdamer Van Gogh Museum entwickelte Ausstellung kombinierte die Werke beider Künstler, um gemeinsame Beschäftigungen mit Mythologie, Philosophie und dem Gewicht der Geschichte zu offenbaren und gleichzeitig ihre unterschiedlichen Ansätze zu respektieren. Kiefers monumentale Gemälde und Skulpturen – geprägt von Van Goghs bahnbrechendem Postimpressionismus – erhielten einen neuen Kontext, während Van Goghs letzte Werke aus dem Jahr 1890 neu lebendig wirkten. Neue Stücke von Kiefer, die zum ersten Mal ausgestellt wurden, bewiesen, dass er diese erste Begegnung immer noch nutzt. Die fokussierte Präsentation ermöglichte es den Zuschauern, den Einfluss zu erkennen, ohne den Zusammenhang zu überbewerten.
Vom Herzen zur Hand: Dolce & Gabbana im Grand Palais
Die Mode erlebte ihren musealen Moment, als Domenico Dolce und Stefano Gabbana das Pariser Grand Palais übernahmen, um 40 Jahre maximalistische Vision zu feiern. Nach seinem Debüt in Mailand erstreckte sich „Du Coeur à La Main“ auf 1.200 Quadratmetern und drei Etagen in Paris mit 200 Stücken von Alta Moda und Alta Sartoria, 300 handgefertigten Accessoires und 130 Kunstwerken, die in 12 atemberaubenden Tableaus angeordnet waren. Kuratiert von Florence Müller, positionierte es das Handwerk von D&G treffend im breiteren künstlerischen Erbe Italiens. Die Nahaufnahme ihrer Kunstfertigkeit (diese Sitze in der ersten Reihe, die die meisten von uns nie punkten) offenbarte unter dem theatralischen Übermaß reine Handwerkskunst.
