Die Ausstellung „NIGO: From Japan With Love“ vereint über 700 Objekte aus seinem persönlichen Archiv und zeichnet seine Entwicklung vom jugendlichen Americana-Begeisterten zum globalen Designer und künstlerischen Leiter von Kenzo nach.
Für viele Menschen ist der Name NIGO vielleicht nicht sofort bekannt. Aber sein Einfluss ist überall.
Der 55-jährige japanische Designer, DJ, Produzent und Unternehmer, geboren als Tomoaki Nagao, ist vor allem als Gründer des Streetwear-Riesen Abathing Ape (BAPE), langjähriger Mitarbeiter von Pharrell Williams und Virgil Abloh und aktueller künstlerischer Leiter von Kenzo bekannt.
Lange bevor die Mode von Cross-Kooperationen, limitierten Hype-Drops und Kreativdirektoren, die zwischen Musik, Design und Luxus pendelten, besessen war, tat NIGO dies bereits.
Jetzt widmet das Londoner Design Museum dem einflussreichen Kreativen seine erste große Retrospektive. NIGO: Mit Liebe aus Japan vereint mehr als 700 Objekte aus seiner gesamten Karriere, darunter Kleidungsstücke, Sammlerstücke, Möbel, Musik-Memorabilien und Stücke aus seinem persönlichen Archiv.
Die Ausstellung zeichnet seine Reise vom Teenager, der von Americana und dem Sammeln von Schallplatten besessen war, bis zu einer der einflussreichsten Kulturfiguren der letzten drei Jahrzehnte nach.
The European Circle Culture sprach mit der Kuratorin der Ausstellung, Esme Hawes, um über NIGOs Vermächtnis, die Herausforderung, sein riesiges kreatives Universum in eine Museumsausstellung zu übertragen, und warum seine persönliche Sammlung der Schlüssel zum Verständnis aller seiner Werke sein könnte.
The European Circle Culture: Was war die ursprüngliche Inspiration für die Zusammenstellung dieser Ausstellung und warum schien es jetzt der richtige Zeitpunkt zu sein?
Esme Hawes: NIGO ist in Asien ein bekannter Name, aber in Europa und der westlichen Welt ist er nicht so bekannt – aber die Leute werden seine Marken sofort erkennen. Möglicherweise haben sie die Verbindung zwischen ihm und der Person dahinter einfach nicht hergestellt.
Deshalb wollten wir unbedingt im Museum erkunden, welche Rolle ein Kreativdirektor spielt, wofür NIGO bekannt ist. Er ist weniger ein traditioneller Modedesigner im Sinne der alten Schule, sondern eher ein Kreativdirektor und Markenbauer. Für uns als Designmuseum ist das besonders interessant, weil es eine sehr zeitgemäße Sicht auf das ist, was ein Designer heute ist. Wir blicken weniger auf Menschen, die großartig darin sind, eine Idee zu skizzieren, als vielmehr auf Menschen, die Mitarbeiter zusammenbringen und auf dieser Grundlage diese Universen aufbauen können – und das ist etwas, was NIGO wirklich, wirklich, wirklich gut macht.
Wir wollten auch unbedingt hervorheben, dass NIGO ein großer Sammler ist, und das schon sein ganzes Leben lang – ich glaube, seit seiner Kindheit. Er behält so ziemlich die gesamte Sammlung und nutzt sie fast als Werkzeugkasten, um sich von ihr inspirieren zu lassen und bei all seinen Projekten darauf zurückzugreifen, selbst jetzt, als er über 50 ist.
Wie stark war NIGO an der Ausstellung beteiligt?
NIGO war von Anfang an unglaublich engagiert, was für uns großartig ist. Es ist eine absolute Ehre, denn NIGO ist der großartigste Mitarbeiter – das sieht man bei all den Marken und Projekten, an denen er gearbeitet hat. Es kommt sehr selten vor, dass es nur er ist; Er bezieht so viele verschiedene Arten von Kreativen und Designern in seinen Prozess ein.
Er war sehr engagiert bei der Auswahl der tatsächlich ausgestellten Objekte. Der Großteil stammt aus seiner eigenen Sammlung – etwa 90 %. Ich war persönlich daran beteiligt, nach Tokio zu fahren, ihn zu treffen, mit ihm über seine Sammlung zu sprechen, was ihm wichtig ist, über seine Lieblingsstücke – alles, um die Geschichte der Ausstellung aufzubauen. Er war auch stark an der Gestaltung der Ausstellung selbst beteiligt und arbeitete mit unseren Ausstellungsdesignern zusammen, sowohl Architekten als auch 2D.
Hat Sie irgendetwas an NIGO überrascht, als Sie ihn kennengelernt haben?
Er ist ein unglaublich bescheidener Mann für jemanden, der eine so erstaunliche, umfassende Karriere hinter sich hat und mit den Besten der Besten zusammengearbeitet hat. Diese Bescheidenheit hat mich überrascht, aber ich finde, es ist eine so schöne Art zu arbeiten.
Das Tolle an NIGO ist, dass er immer sehr lernbegierig ist – und ich denke, das ist der Grund, warum er so erfolgreich war. Diese Fähigkeit, sich immer fast als Schüler zu betrachten und zu spüren, dass es noch so viele Dinge gibt, die man lernen kann, um sich weiterzuentwickeln, ist ein wirklich schöner Ansatz.
Die Ausstellung ist in vier Abschnitte unterteilt. Können Sie sie uns näher erläutern?
Ja, es besteht aus vier Abschnitten und ist weitgehend chronologisch. Wir beginnen mit einer Nachbildung von NIGOs Jugendzimmer. Er hat alles gespeichert, seit er etwa sechs Jahre alt war, was absolut erstaunlich ist.
Von da an betrachten wir NIGO als Sammler, denn wie ich bereits sagte, ist seine Sammlung ein so wichtiger Teil seiner Praxis. Wenn man einen Blick in seine Sammlung wirft und einiges über seine Karriere weiß, kann man diese wirklich erstaunlichen Parallelen zwischen dem, was er sammelt, dem, was er betrachtet, und dem, was er später entwirft, erkennen.
Wir haben mit USM zusammengearbeitet, einem Unternehmen für modulare Möbel – NIGO nutzt deren Möbel tatsächlich, um seine Kollektion in seinem Studio in Tokio auszustellen. Deshalb haben wir fast eine Nachbildung dessen gebaut, wie er seine Sammlung in USM-Möbeln aufbewahrt.
Im dritten Abschnitt geht es eigentlich um den NIGO-Effekt – eine Art Anspielung auf den Kate-Middleton-Effekt. Wenn Kate Middleton ein Kleid trägt, ist es überall ausverkauft. Die Idee, dass jemand, der mit einer Marke verbunden ist, durch seinen Namen und sein Vermächtnis diese beliebt und begehrenswert macht. NIGO ist also nicht nur zu einem großartigen Kooperationspartner für seine eigenen Marken geworden, sondern wird jetzt auch von so ziemlich jedem gesucht – Uniqlo, Adidas, Nike – diese großen Marken, die mit ihm zusammenarbeiten möchten.
Im letzten Abschnitt geht es wirklich darum, was ihn heute interessiert. NIGO ist jemand, der ständig nach Möglichkeiten sucht, zu lernen und sein Wissen zu erweitern, und er befindet sich in einer Zeit, in der er von der traditionellen japanischen Kultur und ihren Praktiken fasziniert ist. Mittlerweile macht er eine Ausbildung zum Teezeremonie-Meister und stellt auch wirklich schöne Keramikkannen her, die er bei der Zeremonie verwendet.
Was waren NIGOs frühe Inspirationen?
Bereits im Alter von etwa sechs Jahren war er völlig fasziniert von Americana – allem aus den Staaten. Ich sammle amerikanische Zeitschriften, Disney-Spielzeug wie Donald Duck und solche Dinge. Das ist eine Parallele zu dem, was in Japan, wo er aufwuchs, geschah – dieser Zustrom amerikanischer Einflüsse aus dem Krieg einige Jahrzehnte zuvor. Americana ist also ein großer Teil seiner Sammlung.
Mode war für ihn auch aufgrund seines Interesses an Subkulturen in Japan sehr interessant. Er wuchs etwas außerhalb von Tokio in Miyabashi auf, reiste aber oft nach Tokio, um in Vintage-Läden und Plattenläden einzukaufen, Schlittschuh zu laufen und einfach mit Freunden abzuhängen. Er sammelte also schon in jungen Jahren und war seit seiner frühen Jugend von Popkultur und Subkultur umgeben.
Gibt es herausragende Objekte, auf die Besucher achten sollten?
In einem der ersten Abschnitte gibt es eine Levi’s-Jacke, die eines der ersten Vintage-Kleidungsstücke war, die NIGO jemals gekauft hat – ich glaube, er war damals ein Teenager. Es ist völlig zerschlissen und wirklich sehr beliebt. Für ihn war es ein wirklich aufregendes Stück, weil es sein erster Schritt in die Welt der Vintage-Kleidung war.
Es gibt eine wirklich süße Geschichte, dass er seine Mutter darüber belogen hat, wie viel er dafür bezahlt hat, weil er wusste, dass sie absolut schockiert sein würde, wenn sie herausfinden würde, wie viel er für diese zerrissene Jeansjacke ausgegeben hatte.
Ein weiteres Stück, das mir wirklich gefällt, stammt aus seiner frühen Bape-Ära. Es ist eine Bestellkarte aus der Zeit, als er Bape gerade gegründet hatte und eine Bestellung für Shell-Jacken und T-Shirts aufgab – die ersten Stücke, die Baden Ape jemals verkaufte. Auf dem Bestellformular können Sie sehen, dass er von jedem Produkt nur fünf Stück bestellt, was eine äußerst geringe Menge ist.
Er sagte, dass dies damals aus finanziellen Gründen geschah, aber auch dazu diente, die Produktmenge wirklich zu begrenzen und einen Hype zu erzeugen.
Wie wichtig ist Musik für die Ausstellung?
Sehr. Wie Sie wahrscheinlich wissen, ist NIGO ein DJ, ein Schlagzeuger, ein Produzent – er hat alles in der Welt der Musik gemacht, seine eigenen Alben veröffentlicht und seine eigenen Plattenlabels gehabt.
Wir wollten das wirklich zu einem wichtigen Teil der Show machen, und NIGO war auch sehr daran interessiert, dass die Musik eine zentrale Rolle spielen sollte.
Wir haben also eine Hörstation mit Playlists, die NIGO selbst ausgewählt hat – Musik von Leuten, die er produziert hat, oder von Bands, in denen er tatsächlich war, wie Teriyaki Boys, sowie von seinen Mitarbeitern.
Was war Ihrer Meinung nach NIGOs größter Einfluss auf die Mode?
Zusammenarbeit ist eine gewaltige Sache – und man betrachtet Design und Kreativität als dieses breite Spektrum, anstatt Menschen in ihre Nischen einzuteilen, sei es Mode oder Musik.
Was NIGO wirklich gut macht, ist die Zusammenführung von Kreativen aus verschiedenen Disziplinen und die Durchführung von Projekten, die sich über Mode, Kunst, Musik, Design – was auch immer es sein mag – erstrecken. Ich denke, das ist etwas sehr Seltenes und Besonderes in seiner Praxis.
Bei NIGOs Kenzo-Modenschauen beispielsweise schreibt er die Musik entweder selbst oder beauftragt einen Mitarbeiter oder Freund damit. Der gesamte Raum wurde von jemandem entworfen, mit dem er zusammengearbeitet hat – einem Architekten oder Designer. Offensichtlich arbeitet er an der eigentlichen Kleidung, aber es ist die gesamte Produktion, bei der jedes noch so kleine Element berücksichtigt wird.
Diese allumfassende, ganzheitliche Sicht auf Kreativität und Design.
NIGO: Mit Liebe aus Japan läuft bis zum 4. Oktober 2026 im Londoner Design Museum.
